Курсовая работа: Понятия и классификации музеев на примере наиболее известных музеев Франции

Более ста лет назад Эмиль Золя писал в газете «Эвенмен»: «Судьба уготовила в Лувре место для «Олимпии» и «Завтрака на траве», но понадобилось много лет, чтобы его пророческие слова сбылись. Теперь в Музее импрессионизма зрители стоят перед этими полотнами благоговейно и почтительно.

На первом этаже Музея выставлены и полотна «живописца радости» Огюста Ренуара. «Он любит солнце, которое может всё озарить, и его художественное сердце — само такое солнце. У него нет глаз для скорбного и уродливого: он видит цветы, лучи солнца, детей, прелестных женщин — и всё это играет, просто радуясь жизни и воздуху», — писал А.В. Луначарский о творчестве О. Ренуара.

Действительно, пишет ли художник природу («Дорога в траве»), обнажённую натуру («Натурщица на солнце»), жанровые сценки на открытом воздухе — везде он остаётся солнечным художником, «окунающим» натуру в лучезарные потоки света. Молоденькие модистки, собравшиеся повеселиться в саду монмартрского кабачка «Муленде ла Галетт», под кистью Ренуара превращаются в прелестные создания — женственные и непосредственные. Картины его насквозь пронизаны солнцем, его свет играет на розовых и голубых женских платьях, на тёмных костюмах и соломенных шляпах мужчин, переливается на стаканах, синими и жёлтыми бликами ложится на песочную площадку.

Полотна Огюста Ренуара переходят и на второй этаж Музея импрессионизма. Кроме них, здесь выставлены картины Клода Моне, К. Писарро, П. Сезанна, Винсента Ван Гога, Поля Гогена и других художников. И одним из шедевров является картина К. Моне «Впечатление», давшая название всему направлению импрессионизма (по-французски «impression» — впечатление).

За два года до той знаменитой выставки Клод Моне написал из окон гостиницы, в которой тогда жил, картину Гаврского порта. Лес корабельных мачт, стушёванные контуры портовых кранов, зыбкий туман, чернеющие лодки... Поднявшийся над горизонтом чётко очерченный багровый шар солнца висит в молочной дымке и отбрасывает на воду алые отсветы. Чтобы сохранить свежесть впечатления, надо было работать на едином дыхании, очень быстро — смелой рукой и без колебаний. Эдмон Ренуар, брат художника, к названию «Впечатление» прибавил ещё два слова: «Восход солнца». Таким это название и осталось.

Клод Моне с наибольшей последовательностью разрабатывал принципы импрессионистской манеры живописи: писал отдельными мазками чистого цвета, пытался передать освещение, изменчивое в разное время дня и года. Эти его поиски отражены в серии «Руанский собор», хотя в самом Музее импрессионизма находится лишь пять из 25 композиций.

Клод Моне пишет портал знаменитого Руанского собора, и свет играет на каменном кружеве и скульптурах собора, отбрасывает тень и растворяет очертания здания в светло-воздушном мареве. Этюды ни один не повторяют друг друга: на одном собор изображён в серых тонах (характерных для пасмурного дня), на других собор кажется нежно-розовым в лучах восходящего солнца, на третьих он переливается золотом, особенно ярко выделяющимся на фоне голубого неба.

Выставленные в Музее импрессионизма картины Клода Моне не имеют привычных рам, они просто «вставлены» в стену. Такой принцип размещения экспозиции поначалу поражает посетителей, но ведь художник и хотел «поймать мгновение», вызвать у зрителей иллюзию быстрой смены освещения, изменяющего видимый мир.

Эдгар Дега, на первый взгляд, казался человеком странным и противоречивым. Его настоящая фамилия де Га, но он еще смолоду отказался от аристократической приставки. Его готовили к блестящей карьере, но он бросил юридическую школу ради Школы изящных искусств. Он был склонен к молчаливому одиночеству, не терпел шума, презирал рекламу и славу. С годами его замкнутость стала легендой. И вместе с тем темы для своих картин он черпал в самой гуще городской жизни.

Пейзажей он почти не писал, он всегда влюблённо наблюдал и писал человека. Свои картины он не рисовал на месте, поставив своим принципом «Наблюдать, не рисуя, и рисовать, не наблюдая».

Он был первым из европейских художников, кто совершенно по-новому увидел балет. В «Танцевальном классе» и «Голубых танцовщицах» изображены балерины — но не сцене, а за кулисами во время репетиции. На их лицах застыло то ли напряжённое внимание, то ли утомление, парадные улыбки и традиционное изящество исчезли. Повороты фигур зачастую попросту некрасивы, а движения — у балерин! — угловаты. Взгляд зрителя скользит по худым спинам, острым локтям, жилистым шеям...

И вместе с тем полотно, созданное Дега, прекрасно той истинной красотой, которая присуща только настоящему искусству. В «Голубых танцовщицах» само радужное мерцание чистых красок вызывает мелодию танца. Светятся и переливаются газовые юбки, сверкают на корсажах и в волосах балерин зелёные, голубые и красные ленты, легко касаются пола ноги в розовых балетных туфлях.

Дега был блестящим рисовальщиком. В отличие от других импрессионистов, превыше всего ставивших цвет, он по-настоящему понимал выразительность линий. А критики упрекали его в том, что он «срезает» предметы и людей, что он просто не умеет разместить желаемое на полотне и уложиться в размеры картины.

Кроме живописи, Эдгар Дега увлекался и скульптурой. В специальной витрине Музея импрессионизма выставлены небольшие фигурки его прачек, танцовщиц, обнажённых натурщиц и лошадей.

Одновременно с импрессионистами выступил и Поль Сезанн, сын мелкого банкира из Экса. Но вскоре Сезанн отошёл от них. Он хотел передать на своих полотнах не световые эффекты или изменчивость воздуха, а, наоборот, — устойчивость и определённость окружающего мира. Взяв живописную технику импрессионистов, он хотел ввести её в пределы строго продуманной формы. Поэтому на его холсты ложились плотные, уверенные мазки, изображённые на картинах фигуры и предметы приобретали весомость и материальные черты.

Сам Сезанн говорил: «Глаз и ум должны дополнять друг друга. Надо усиленно работать над их взаимным развитием». И он был тружеником из тружеников. До последнего дня жизни работа была его единственной страстью. Посылая свои работы в Салон, он даже не рассчитывал, что их там примут. Художник писал Камиллу Писарро, что испытывает наслаждение оттого, что его работы заставляют Академию «краснеть от ярости и отчаяния».

Полотен Поля Сезанна в Музее сравнительно немного, и все они относятся к 70—80-м годам его творчества. Это пейзажи парижских окрестностей, натюрморты (цветы, яблоки, апельсины, лук), а также фигурные композиции — «Игроки в карты» и «Женщина с кофейником».

Жизнь этих людей (а также тех, кого мы называем постимпрессионистами) была наполнена радостным, вдохновенным трудом. Поэтому, несмотря на то что постоянная и порой безвыходная нужда преследовала их во все времена, так радостно, так безмятежно солнечно их искусство.

2.3 Музей д’Орсэ

Музей Орсэ – французский национальный музей, созданный в Париже в декабре 1986 года для показа всего многообразия художественного творчества западного мира в период с 1848 по 1914 годы.

Удача и судьба, казалось, соединились, чтобы содействовать превращению Вокзала д’Орсэ (известной постройки 1900 г.) в Музей д’Орсэ – хранилище искусства позднего XIX века. Сначала добрую роль сыграло само время, ибо во многом именно разрушение рынка Лезаль дало повод к начатой прессой и успешно завершившейся кампании по сохранению старой железнодорожной станции и отеля. Создание этого музея стало значительным событием в культурной жизни Франции. Крупнейший вокзал Орлеанской компании, утративший своё функциональное значение, должен был превратиться «из вокзала в музей» — в этом и заключалась главная идея его устроителей и реставраторов. Одной из главных задач в реализации этого проекта было не только сохранить вокзал в первозданном виде, но и включить его в современную жизнь, придать музею-вокзалу двойную функцию — как носителя исторической памяти, так и современного подлинного явления.

Знаменитый парижский вокзал Орсэ располагался в центре Парижа — напротив Лувра и Тюильри. Он был построен архитектором Виктором Лалу к Всемирной выставке 1900 года. По мнению многих критиков, вокзал стал «лебединой песней французского модерна». Вокзал Орсэ считался последним достижением техники того времени, самым ультрасовременным из всех — он был своего рода апофеозом промышленного века.

Всё в нём приковывало внимание современников: громадный неф, огромная высота, циклопические портики, светящиеся часы. Кроме всех этих достижений, вокзал был в высшей степени функционален. Однако со временем он перестал удовлетворять всё ускоряющийся ритм жизни, к концу 1960-х годов вокзал обветшал и пережил забвение. На смену ему готовилось строительство международного отеля, в конкурсе на проект которого приняли участие крупнейшие архитекторы того времени (в том числе и Ле Корбюзье).

Однако в 1973 году решение о строительстве отеля было отменено. Вокзал признали историческим памятником, и его купило министерство культуры Франции. Вот тогда-то и возникла идея превратить вокзал в «Музей XIX века». В нём предполагалось создать музей искусств с новейшей экспозиционной технологией, но с минимальным изменением архитектуры и структуры самого вокзала, его интерьеров и декора.

Проект нового Музея рождался как бы из диалога с прежним его архитектором — Виктором Лалу. Новый проект ставил своей задачей создать уникальную среду для произведений искусства XIX века, но в то же время как бы экспонировать и собственную архитектуру вокзала. Однако вокзал Орсэ по своим прежним функциям никак не совпадал с задачами Музея искусств. Сложнейшая проблема была всё-таки решена группой «АКТ-аршитектюр», которая завоевала первое место в конкурсе по реконструкции этого вокзала. Основа концепции проекта данной группы была такова: «Сделать не музей в вокзале, а музей из вокзала».

Идея создания такого музея нашла поддержку и в лице президента Франции Валери Жискар д'Эстена, который и начал эту грандиозную работу. По разработанной программе новый Музей должен был стать музеем многодисциплинарным — то есть включать в свои экспозиции и демонстрировать живопись, графику, скульптуру, декоративную мебель, произведения фотографии и зарождающегося киноискусства, архитектуру, градостроительство, исторические и документальные материалы — всё, что отражает прошлую эпоху.

Первые коллекции нового Музея формировались из произведений, хранившихся в Лувре, музее «Же до Пом», во Дворце Токио и многих других музеях и частных собраниях. По хронологическим рамкам своих коллекций Музей Орсэ занимает сейчас место между Лувром и Национальным центром искусств имени Жоржа Помпиду: Лувр (как музей) построен в XVII веке, Орсэ — в 1900 году, Центр искусств имени Жоржа Помпиду — в 1977 году.

Экспонируемые в Музее Орсэ произведения искусства представляют собой один из выдающихся периодов французского искусства второй половины XIX — начала XX века. Живопись представлена полотнами Давида, Энгра, Делакруа, импрессионистов, скульптура — произведениями Родена. Зал Родена считается одним из самых красивейших в Музее Орсэ, а достигается это благодаря гармоническому соотношению трёх произведений скульптора с архитектурой самого вокзала.

Самым масштабным помещением нового Музея стал Большой Неф, в котором выставлены коллекции скульптуры. Над бывшими железнодорожными путями и рельсами был сделан пол, который своими террасами как раз и продолжается в нефе. Стеклянный свод обеспечивает равномерное освещение зала, а это для скульптур является безопасным и оптимальным режимом. Грандиозные размеры самого нефа придают ещё большую монументальность всей скульптурной экспозиции.

В глубине нефа расположились две башни, в которых экспонируются произведения «ар нуво». С террасами соседствуют залы для экспозиции произведений живописи и декоративно-прикладного искусства. С одной стороны — это залы Домье, Коро, Милле, с другой — Энгра, Делакруа, Дега, Гюстава Моро. В пересечении нефа расположились залы Гюстава Курбе и декоративного искусства времен всех Империй.

Коллекции импрессионистов и постимпрессионистов расположились в залах верхней галереи. Естественное специфическое освещение этих залов наилучшим образом отвечает цветовой гамме живописных полотен Моне, Сислея, Сезанна, Ренуара, Ван Гога.

Овальные залы первого этажа отданы произведениям академической, натуралистической и символической школ. Три из них представляют новое искусство — это произведения Харта и Ван дер Вельде.

В Музее неожиданно и весьма оригинально экспонируются архитектурные макеты. «Гранд-Опера», например, оказывается прямо под ногами посетителей — под прочным слоем стекла. С высоты этот макет предстаёт во всём своём великолепии. Макеты крупнейших сооружений прошлых времён выстроены в большую колонну — один над другим. Посетители могут их осматривать, поднимаясь на эскалаторе в большие залы Башен.

Для размещения произведений декоративного искусства и графики (рисунков, фотографий, пастелей и литографий) созданы специальные небольшие «тёмные» помещения. Естественное освещение здесь практически отсутствует, а разработанная система подсветки высвечивает лишь экспонаты.

Вообще освещение Музея Орсэ является одной из его главных удач. Естественное и искусственное освещение из 8000 светильников, прожекторов и галогеновых фонарей как бы сливаются в одну симфонию. Во всех залах смонтирована система, отражающая как искусственный, так и естественный свет. Этот свет прежде, чем попасть на полотна, отражается специальными панелями, которые поглощают вредные для картин ультрафиолетовые лучи.

В Музее среди других технических новшеств применяется компьютерная система управления климатическим режимом и обеспечением безопасности.

2.4 Версаль

Версаль – это чудо света и бесценный дар французской нации всему человечеству. В истории первое упоминание о Версале относится к 1037 году, но известность этому провинциальному прежде городку создали дворец и парк последних французских королей.

Замок в западном пригороде Парижа был заложен в 1624 году как охотничья резиденция Людовика XIII, в которой можно было бы с удобствами отдохнуть в недолгие часы своих развлечений. Возводившийся замок был столь мал и скромен, что в нём не были даже предусмотрены покои ни для королевы-матери, ни для королевы-жены.

В начале своего царствования молодой и честолюбивый Людовик XIV не мог даже предположить, что ему удастся преобразовать замок отца до такой степени, что он превратился в самый большой и роскошный дворец Западной Европы с его легендарными садами и своеобразным королевским городком. С 9 мая 1664 года Людовик XIV основал в нём свою постоянную резиденцию.

Особый интерес представляют центральная часть версальского дворца, где находятся королевские покои, и знаменитая Зеркальная галерея, выходящая на террасу в парке.

В Большие королевские покои вводит зал Геркулеса — главная придворная бальная зала. Огромная картина в потолке изображает апофеоз Геркулеса». Это полотно считается одним из самых грандиозных в мире: оно достигает 18,5 метров в высоту и 17 метров в ширину.

Но начинается анфилада королевских покоев с салона Изобилия. Своё название этот зал получил за то, что во время королевских приёмов он служил буфетной. Здесь постоянно стояло три больших буфета, уставленных серебряными кувшинами с самыми всевозможными напитками — холодным и горячим шоколадом, винами, чаем, кофе и вазами с различными заморскими фруктами.

На самом же деле салон Изобилия был кабинетом Медалей (или Редкостей). В нём «Король-солнце» хранил свою великолепную нумизматическую коллекцию. Назначение салона подсказало и тему росписи его потолка. В центре композиции художник Р.-А. Уасс представил короля в изображении аллегорических фигур с рогами изобилия, из которых рассыпаются диковинки королевской коллекции.

Салон Дианы долгое время служил Людовику XIV бильярдной. Король любил эту игру больше других, и часто играл на бильярде. Это запечатлено и на одной из современных гравюр. Мебели в этом зале почти не было, только вдоль стен стояли столики и табуреты. Дополняли убранство салона люстры, канделябры и вазы — всё из литого серебра с позолотой очень тонкой работы. Убранство салона Дианы в основном остаётся неприкосновенным со времен Людовика XIV. Долгое время украшением зала был мраморный бюст короля в молодости, который в 1665 году выполнил итальянский скульптор Л. Бернини, но теперь этот бесценный шедевр хранится в Лувре.

Салон Меркурия был парадной спальней короля. Посередине его центральной стены стояла парадная кровать, а перед ней была серебряная чеканенная решётка. Королевская кровать была убрана покрывалом из той же парчи с золотыми и серебряными нитями, какой были затянуты двери всего салона. На этом ложе с 1 по 8 сентября 1715 года покоилось тело Людовика XIV в парадном коронационном одеянии.

Некогда салон Меркурия украшали полотна Тициана, но потом они тоже были переданы в Лувр. Однако до сих пор в салоне стоят знаменитые автоматические часы, которые были подарены французскому королю в 1705 году.

Самая знаменитая часть дворца – Зеркальная галерея с 17-ю большими окнами и 15-ю зеркалами на противоположной стороне: здесь проходили все придворные праздники, отмечались дни рождения короля, совершались бракосочетания, здесь же принимали иностранных послов.

Зеркальную галерею называют чудом Версаля. Вид этого салона просто захватывает дух: галерея ошеломляет сразу и размерами, и пропорциями, и колоритом, и расточительной роскошью убранства, ав погожие солнечные дни — переизбытком света и воздуха. При украшении Зеркальной галереи расчёт сознательно был сделан на то, чтобы именно ошеломить роскошью и великолепием. Зеркальная галерея — это не просто зал. Это огромный проспект, длина которого 73 метра, а ширина — 10,5 метров.

Стену галереи со стороны парка по всей высоте прорезали симметрично расположенные 17 окон, которые своими пропорциями гармонируют с золочёными резными дверями. Пятнадцать ниш напротив окон заполнены зеркалами, которые отражают парк, небо и водоёмы, иллюзорно расширяя пространство зала и создавая тем самым удивительно сказочный эффект. Окна утопают в глубоких арочных нишах, в то время как зеркала наложены на плоскую стену.

Посетивший Версаль посол Венеции в восторге писал: «В Большой галерее зажигались тысячи огней, они отражались в зеркалах, покрывавших стены, в бриллиантах дам и кавалеров. Было светлее, чем днём, красота и величие блистали точно во сне или в заколдованном Царстве». Зрелище поистине феерическое. В праздничные дни в сверкающих серебряных и хрустальных люстрах зажигались мириады свечей, множились на глазах, отражаясь, как и всё остальное, в зеркалах. Оформители галереи явно хотели продемонстрировать современникам победу над Венецией с её монополией на производство зеркал. А оказывается, Франция тоже могла изготовлять их, да ничуть не хуже венецианских!

Роспись Зеркальной галереи была поручена художнику Ш. Лебрену, который был наделён большими полномочиями и самостоятельностью, но отнюдь не беспредельными: придворное искусство должно было прежде всего прославлять яркую личность короля. На сводах галереи художник расположил 12 медальонов и 6 стукковых рельефов. В угловых медальонах представлены важные события того времени: судебные и финансовые государственные реформы, покровительство искусствам. Все фрески объединяет тема побед воинственного короля, среди которых выделяется «Вторая победа над Франш-Конде». Во фресках Лебрен тонко переплетал сюжеты важных исторических событий и мифологию, ввёл аллегорические образы, в которые как будто случайно проникли сцены будничной жизни. Главный герой каждой композиции — король. И вообще при украшении всего Версальского дворца была одна цель — в монументальном стиле воздать славу королю.

Страницы: 1, 2, 3, 4, 5